En 2017, dans le cadre du 375e anniversaire de Montréal, la Brigade Arts Affaires de Montréal (BAAM) a légué une œuvre d’art public à la ville. Ce legs constitue une porte d’entrée privilégiée pour examiner de nouvelles articulations économiques et politiques du milieu culturel montréalais, particulièrement avivées par le contexte de commémoration. À travers l’examen des discours qui sous-tendent le don de cette œuvre d’art, cet article souhaite interroger comment l’implication de ce groupe de mécènes réarticule les idéaux de la participation et de la responsabilité citoyennes, mais aussi ceux du développement de la ville par l’art. Cette analyse met également en évidence l’ouverture du milieu politique à la l’implication d’un public pour le moins élitiste, dont les voix et les pratiques viennent moduler, par le biais de l’art, l’espace montréalais.

Cet article propose d’étudier l’activité de médiation au sein de projets participatifs et culturels. Nous envisageons l’activité de médiation comme une activité interactionnelle menant à des moments de construction de sens en groupe. Ces moments d’échanges sont analysés dans une approche processuelle mettant en lumière la constitution de productions à la fois matérielles et symboliques. Pour étudier ces productions, nous avons suivi un projet participatif lié au label de Capitale européenne de la Culture, Mons 2015. À travers ce cas, nous montrons comment l’apprentissage se crée au sein du collectif durant l’activité de la médiation et se traduit matériellement durant l’événement culturel.

A partir d’effets inattendus apparus dans une recherche-action, cet article approche la culture musicale dans sa fonction pragmatique de médiation. La performativité de l’œuvre musicale, au prisme notamment de la notion d’objet relationnel (Fevry, 2015), est illustrée par sa capacité à faire lien entre différents acteurs du projet concerné. Celui-ci consistait à concevoir et lancer une émission de radio produite et animée par des personnes présentant un handicap psychique. Or l’œuvre musicale s’est révélée permettre à ces personnes d’exister personnellement et d’agir socialement, s’imposant dans la construction des relations et soutenant la pérennité de l’émission. Nous verrons aussi qu’elle interroge plus largement la problématique contemporaine du handicap, particulièrement concernant l’usage des classifications usuelles et les rapports entre chercheurs et chroniqueurs de l’émission.

L’enseignement de la musique est un domaine particulièrement révélateur pour l’étude de l’art en tant qu’outil pédagogique. Il permet de se pencher sur les rapports entre ses principaux « acteurs » : professeurs, élèves, parents, et les instruments de musique. Les instruments ont en effet un impact particulier sur la relation enseignantélève et jouent un rôle dans l’action pédagogique au quotidien. Dans cet article, ces mêmes objets seront également nos guides pour découvrir les territoires où vivent les élèves ; l’instrument musical est un médiateur essentiel pour leur développement personnel et social, et il se révèle aussi être un excellent « informateur » lorsqu’on applique des méthodes qualitatives d’analyse. Les résultats présentés sont issus de recherches ethnographiques dans trois programmes d’enseignement musical : El Sistema, au Venezuela ; Neojiba, au Brésil ; Orquestra Geração, au Portugal. Paradoxalement, les territoires les plus défavorisés socioéconomiquement peuvent être les meilleurs contextes pour renforcer le lien entre les élèves et leur école de musique (núcleo).

Dans cette interview réalisée par Jean-Luc Depotte, Françoise Schein rend compte de la portée sociale et citoyenne de son travail dans le champ mondial de l’art d’aujourd’hui. Une interview au ton très libre – à l’image de cette artiste, architecte et urbaniste, toujours sur la ligne de front –, qui relate un parcours atypique, éminemment vitaliste, le plus souvent vécu sur le mode collectif en Europe comme outre-Atlantique. S’y lit aussi un témoignage précieux sur le processus créatif et la complexité de la confrontation entre le geste artistique et les contraintes multiples liées à l’inscription de l’artiste dans le(s) territoire(s).

Les premières expériences interministérielles, dès les années 1970, se sont amplifiées avec la territorialisation des politiques culturelles. Les actions artistiques prennent désormais place dans les « quartiers sensibles », les écoles, les prisons, les hôpitaux, etc. Dans ce contexte, se produit une série de déplacements dans les modes de production artistique, dans la relation au public et en termes de rôle et d’identité professionnelle des artistes. Plus encore, c’est le sens de la production artistique, et in fine la mesure de sa valeur que ces actions artistiques questionnent. Cet article interroge les transformations de la pratique artistique et de ses conditions de reconnaissance en France à partir d’une recherche portant sur le dispositif interministériel « culture et santé ».

Dans le cadre de Mons 2015, Wajdi Mouawad, auteur et metteur en scène, a présenté les sept tragédies de Sophocle au théâtre Le Manège. En parallèle, l’artiste a proposé à cinquante adolescents de l’accompagner de 2011 à 2015, soit dans la période de leurs 15 ans à leurs 20 ans, autour d’un projet inédit – Avoir 20 ans en 2015 – dont l’ambition était d’« apprendre à penser par soi-même ». Sur la base d’une observation participante menée par l’auteure, l’article vise à montrer en quoi ce dispositif de médiation est indissociable de la figure de l’artiste qui l’a conçu, et comment il propose des outils permettant à chacun de se construire comme individu.

L’auteur nous invite à une lecture croisée d’auteurs, convoquée de manière singulière dans un plaisir de lecture jamais déçu. Elle propose une réflexion sur le processus créateur à l’œuvre dans la création littéraire, s’appuyant sur les échanges de points de vue entre J.-B. Pontalis et M. de M’Uzan, puis sur le travail de D. Anzieu. Enfin, à travers la lecture de P. Modiano, entre réalité et fiction, entre espaces, lieux et temporalités, elle retrouve ces éprouvés d’inquiétante étrangeté en soi, en l’autre, qui décrivent une sensation proche du vacillement identitaire du créateur.

Animer un atelier d’écriture, c’est choisir une position clinique liée au politique : réintroduire dans la cité ceux que l’on avait chassés. C’est la création d’un espace qui participe à faire surgir du thérapeutique. Un espace de dire, un espace de paix, pour des personnes en grande souffrance physique et psychique qui, pour la société, ne sont personne, rejetées par la société marchande et capitaliste. Ce sont celles-là mêmes, dans une vérité qui s’est mise à parler puis à écrire, qui ont mis en mots parfois cet impossible figé au cœur du langage, qui énoncent le manque qui nous fait être homme ou femme.

On affirme couramment que parler, écrire, c’est exprimer avec des mots, traduire avec des mots, une pensée préalablement existante. Il me semble plutôt que l’écriture est un travail de la langue où ce qui tend à être dit, ce qui se dit (et aussi ce qui ne se dit pas) ne cessent de s’entremêler. Écrire, ce n’est pas être le maître d’un attelage, mais plutôt être l’aventurier qui ne sait pas à l’avance jusqu’où son aventure le conduira. C’est être à l’écoute également d’une musique qui, dès l’origine, nous a inscrits dans une langue et dans ce qui la fait chanter.